Benoît Piéron
Illness Shower
01 July - 31 July 2022

You are cordially invited to Benoît Piéron’s Illness Shower, a solo exhibition of new works produced during a one-month residency at Sultana Summer Set, Arles. This marks the artist’s first exhibition with Sultana since joining the gallery’s roster.

Benoît Piéron has described his work as a “sacrificial practice of time” forged by a lifelong experience with and alongside illness, and a childhood largely spent in hospital. Piéron’s practice is thus informed by the experience of waiting and meditations on the liminal boundaries between health and sickness, presence and absence, inside and outside, the body and the architectural, temporal, and medical structures that shape it. Illness Shower continues the artist’s exploration of these themes across a distinct formal vocabulary of hand- sewn textiles, lanyard, repurposed medical apparati, bats, plants, and soap.

The exhibition takes Susan Sontag’s Illness as Metaphor (1978) as its starting point, which critically examined the ways that deleterious metaphors used to describe illness led to a misunderstanding of disease and its treatment, and simultaneously placed the blame of illness on its victims. While Sontag argued for the eradication of metaphor when discussing illness, Piéron offers a countervailing, poetic approach that is grounded in a celebratory, holistic acceptance of illness and uncertainty as vital aspects of our shared humanity.
Playing on the tradition of bridal and baby showers, which mark an impending existential transformation, the exhibition proposes a framework for engaging with the phenomenon of illness in ways that also speak to the positive elements that arise from it: the lived experience of alternative temporalities, the emergent forms of radical care and intimacy, and the expansive understanding of identity as something non-essentialist and ever in flux.

In the gallery’s foyer drapeau 1 (2022), a multi-colored patchwork flag made of discarded hospital sheets, herald the exhibition’s two central themes. In a society that tends to relegate non-conforming bodies to its margins, these flags place them front and center, airing out the dirty laundry, so to speak. It signals the threshold between the capitalist clock time of the outside world and the unproductive time of the hospital room, while representing the universal bloc of invisible bodies evoked by the pastel fabrics that in some cases still bear their traces. Stitched together into one collective corpus, it rallies beneath the wingspan of a nocturnal vampire bat, a recurring motif and spirit animal for the artist.

In the same space, plaid(2018-), a patchwork work quilt spectrally draped in the corner, sums up the expansiveness and multiplicity of bodies that run through Illness Shower. This evolving textile is the artist’s first patchwork, created during a hospital stay as a means of forging connection with his visitors in a shared act of creation. The quilt is at once a record of time and its inscription on Piéron’s body, and simultaneously a symbol of the boundlessness of the individual, who is forever in a state of becoming, through and alongside others.

The interior of the first gallery is demarcated by maybepole (2022), an approximation of the ephemeral festival architecture traditionally animated by a chorus of dancing bodies. Four pennant streamers of reformed hospital sheets drape outward from a central hoop wrapped in cloth bandages, from which a giant plush bat is suspended, calling to mind the inside of a circus tent. Rendered in fabrics intended to dress the ailing body, this joyous intervention relies on gravity to achieve its swooping curves, formally opposing the patriarchal mentality of architecture (and by extension the paternalism of the medical industrial complex) that ‘erects’ structures and seeks to establish dominion over the physical laws of nature. (1)

In the last space, five patchwork cushions,underpillow talk (i-vi) (2022), form a group in the walls of the room, inviting visitors to listen to a sonic collage of comforting sounds such as the hiss of an effervescent painkiller or a rumbling thunderstorm, . Like a prosthetic, the pillow compensates physical voids and brings comfort, extending the limits of the body.
A suite of ten photographs of used soap, collected from close friends and collaborators of the artist, similarly evoke the body through absence and trace and plays on the artist’s fascination with the instability of skin as a delimiting border of our existence, as it is both an internal and external organ. Unexpectedly intimate, the soaps are cataloged like sculptural antiquities, and form a sort of portrait en creux, or peripheral portrait, of their owners.

Nearby, Monstera and *Chamaedorea elegans (both 2022) poetically re-imagine two readymade IV stands. Their cold clinical quality is subverted by the sensuousness and warmth of bandages, plush bats, light and organic matter. Their functions as ambulatory sustenance-providing structures are redirected to nurture the eponymous plants that are frequently found in doctors’ waiting rooms. The plants have been placed in tar-painted buckets — a nod to Derek Jarman’s tar-coated Prospect Cottage in Dungeness, Kent, where the filmmaker cultivated a therapeutic garden under notoriously harsh coastal conditions as a final work and living act of resistance against AIDS, to which he ultimately lost his life.

- Mélanie Scheiner

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(1) maybepole* also subtly alludes to the Catalan architect Antoni Gaudi’s inverted maquette of the Sagrada Familia made of string and weights, and speculates on the relationship between Gaudi’s technical innovation and the debilitating rheumatism that left him immobile as a child, forced to be transported slung over a donkey from which he observed the world upside down as it passed beneath him.

Vous êtes cordialement invités à l’exposition Illness Shower de Benoît Piéron, une exposition personnelle de nouvelles œuvres produites lors d'une résidence d'un mois au Sultana Summer Set, Arles. C'est la première exposition de l'artiste chez Sultana depuis qu'il a rejoint la galerie.

Benoît Piéron décrit son travail comme une "pratique sacrificielle du temps" forgée par une expérience de toute une vie avec et à côté de la maladie. La pratique de Benoît Piéron s'inspire donc de l'expérience de l'attente et des méditations sur les frontières ambigües entre la santé et la maladie, la présence et l'absence, l'intérieur et l'extérieur, le corps et les structures architecturales, temporelles et médicales qui le façonnent. Illness Shower poursuit l'exploration de ces thèmes par l'artiste à travers un vocabulaire formel composé de textiles cousus à la main, de cordons, d'appareils médicaux réformés, de chauves-souris, de plantes et de savon.

L'exposition prend pour point de départ Illness as Metaphor (1978) de Susan Sontag, qui examine de manière critique la façon dont les métaphores délétères utilisées pour décrire la maladie conduisent à une mauvaise compréhension de cette dernière et de son traitement, et rejettent simultanément une responsabilité sur ses victimes. Alors que Sontag plaidait pour l'éradication de la métaphore dans les discussions sur la maladie, Piéron propose une approche poétique opposée, fondée sur une acceptation holistique et festive de la pathologie et de l'incertitude en tant qu'aspects essentiels de notre humanité commune.

S'inspirant de la tradition de bridal et baby showers, qui marquent une transformation existentielle à venir, l'exposition propose un cadre pour aborder le phénomène de la maladie d'une manière qui met en évidence les éléments positifs qui en découlent : l'expérience vécue de temporalités alternatives, les formes émergentes de soins et d'intimité radicaux, et la compréhension élargie de l'identité comme quelque chose de non essentialiste et de toujours en évolution.

Dans l’entrée de la galerie, drapeau 1 (2022), un drapeaux en patchwork multicolore fabriqué à partir de draps d'hôpitaux recyclés, annonce les deux thèmes centraux de l'exposition. Dans une société qui a tendance à reléguer les corps non-conformes à ses marges, ce drapeau le place au premier plan. Il signale le seuil entre le temps capitaliste du monde extérieur et le temps non productif de la chambre d'hôpital, tout en représentant le bloc universel des corps invisibles évoqués par les tissus pastel qui, dans certains cas, portent encore leurs traces. Cousus en un corpus collectif, il se rallie sous l'emblème d'une chauve-souris vampire nocturne, motif récurrent et animal spirituel de l'artiste.

Dans la même pièce,plaid (2018-), un patchwork drapée dans un coin comme un phantôme, résume l’expansivité et la multiplicité des corps qui traversent Illness Shower. Ce textile évolutif est le premier patchwork de l’artiste, créé lors d’un séjour à l’hôpital comme un moyen de forger un lien avec ses visiteurs dans un acte de création partagé. Le patchwork est à la fois une trace du temps et de son inscription dans le corps de Benoît Piéron, et un symbole de l’illimité de l’individu, qui est toujours en devenir, par et avec les autres.

L’intérieur de la première salle est délimité par maybepole (2022), une approche de l’architecture éphémère des festivals traditionnellement animée par un chœur de corps dansants. Quatre guirlandes de fanions se déploient à partir d’un cerceau central emballé en sparadrap, auquel est suspendue une chauve-souris géante en peluche, rappelant l’intérieur d’une tente de cirque. Réalisée avec des tissus destinés à habiller le corps malade, cette intervention joyeuse s’appuie sur la gravité pour réaliser ses courbes sinueuses, s’opposant formellement à la mentalité patriarcale de l’architecture (et par extension au pouvoir médicale) qui “ érige “ des structures et cherche à établir sa domination sur les lois physiques de la nature. (1)

Accorchés au mur cinq coussins en patchwork, underpillow talk (i-vi) (2022), forment un groupe invitant les visiteurs à écouter un collage sonore de sons réconfortants tels que l’effervescence d’un Efferalgan ou le grondement d'un orage. Comme une prothèse, l'oreiller comble les vides physiques et apporte du confort, repoussant les délimitations du corps.

Une suite de dix photographies de savons utilisés, collectés auprès d'amis proches et de collaborateurs de l'artiste, évoque de la même manière le corps à travers l'absence et la trace, et joue sur la fascination de l'artiste pour l'instabilité de la peau en tant que frontière délimitant notre existence, puisqu'elle est à la fois un organe interne et externe. Anonyme et intime à la fois, les savons sont catalogués comme des antiquités sculpturales, et forment un portrait en creux de leurs propriétaires.

À proximité, Monstera (2022) et Chamaedorea elegans (2022) ré-imaginent de manière poétique deux portes- sérums. Leur froideur clinique est détourner par la sensualité et la chaleur des sparadraps, des chauves-souris en peluche, de la lumière horticole et de la matière organique. Leurs fonctions de structures ambulatoires qui fournissent de la subsistance sont réorientées pour nourrir les plantes éponymes que l’on trouve dans les salles d’attente des médecins. Les plantes ont été placées dans des seaux peints au goudron - un clin d’œil au Prospect Cottage de Derek Jarman, à Dungeness, dans le Kent, où le cinéaste a cultivé un jardin thérapeutique dans des conditions côtières particulièrement difficiles, comme œuvre finale et acte vivant de résistance au sida, avant sa mort.

- Mélanie Scheiner


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(1) maybepole fait aussi référence à la maquette inversée de la Sagrada Familia réalisée par l’architecte catalan Antoni Gaudi à l’aide de ficelles et de poids. L’oeuvre spécule sur la relation entre l’innovation technique de Gaudi et les rhumatismes débilitants qui l’ont rendu immobile lorsqu’il était enfant, contraint d’être transporté allongé sur un âne d’où il observait le monde à l’envers.